Controlar o inesperado | Controlling the unexpected

Este texto foi originalmente publicado no site do GRiD-CCSP (Grupo de Reflexão Interdisciplinar do Centro Cultural São Paulo).

Introdução

O seguinte texto foi criado a partir de uma proposição de escrita colaborativa com o desejo de ser o encontro de duas percepções acerca do espetáculo Como Risco em Papel, dirigido e concebido pela coreógrafa e bailarina Marcela Reichelt, financiado pelo 13º Festival da Cultura Inglesa e premiado como Melhor Trabalho de Dança desta edição do Festival. Apresentada no CCSP em novembro de 2009, a obra fez parte da programação de Dança Expandida, sob curadoria de Alexandra Itacarambi.

Dança Expandida é um espaço que visa contemplar e dar vazão a produções contemporâneas que têm como característica o transbordamento da dança para outras linguagens e que, neste direcionamento, abarquem processos experimentais e abertos a discussões. O espetáculo Como Risco em Papel foi inspirado no filme O Livro de cabeceira, de Peter Greenaway, e propõe uma expansão sensível, háptica, da dança em direção às artes visuais.

No mesmo período no CCSP, além de apresentar esse espetáculo, Marcela orientou o workshop Corpo Conduta Movimento e participou de uma mesa de discussão tendo sua obra como tema. A ideia deste texto, escrito por mim e por Reichelt, partiu de um exercício sugerido por ela no qual dois participantes do workshop, no centro de uma roda, estabeleciam um diálogo que se dava pelo encontro de seus corpos. A instrução era que os movimentos, imagens e sensações descrevessem, juntos, um discurso diante dos olhos dos observadores.

Controlar o inesperado?

Fabíola Salles – Para iniciar este entrelaçamento, gostaria de comentar que foi bastante marcante no seu workshop Corpo Conduta Movimento a proposta do diálogo entre dois corpos gerando, em ato, discursos diante de nossos olhos. Principalmente porque você sugeriu que a característica deste encontro deveria ser, apesar de livre, não opressora.

Marcela Reichelt – O que decorre e me interessa nesse exercício proposto entre dois corpos no workshop são as possibilidades de contato, trocas e de limites que descobrimos com o outro. A maneira mais clara de percebermos o quanto estamos atentos ao que estamos produzindo em movimento, em imagem e diálogo, é praticar a reflexão do olhar interno e externo. Acredito que um corpo com uma escuta corporal refinada não oprime, percebe, opta e é capaz de dialogar livremente com maior propriedade para tecer relações pontuais com o espaço e com os outros corpos. Não é de todo simples essa liberdade, requer as suas opções em conversa com as do outro. Aos olhos de quem assiste, fica aberta a possibilidade de acompanhar e criar discursos próprios, estabelecidos por diferentes entendimentos em se relacionar ao contexto de cada corpo, pessoa. Tornar um diálogo unilateral é decidir parcialmente sozinho o decorrer de ações.

FS – Ultimamente me encontro suspensa entre estes olhares: interno e externo. A superfície do espelho de Alice em si. Reparo, me aproximo, comparo, no dia-a-dia, visões, vozes, arquiteturas, e estas parecem configurar um desenho mutante de comunidade. É como dar-se conta não só das possibilidades plurais do ser em sua individualidade, mas também na diversidade de relações que estabelece com os outros, com os lugares e também com o não visível. E as superfícies que separam dentros e foras, aquis e alis, eus e mims parecem  porosas, definitivas e também delicadas.

Percebo em seu trabalho a delicadeza no sentido não só da fragilidade, mas da importância e da gravidade.

A superfície não se trata do superficial. Será que a cobra, quando troca de pele entra em crise? É bem provável que não. E nossas células também, a todo o tempo, trocam de lugar, alteram suas velocidades, formam e deformam suas qualidades. O difícil é acompanharmos com atenção cada micro movimento da mudança. Muitas vezes pulamos alguns quadros e, quando percebemos, nos assustamos com o tempo, nos colocamos como vítimas de situações aparentemente imprevisíveis. Ao que parece, este movimento constante de um corpo só ganha direção, sentido, quando outro corpo (campo de atração) se aproxima, gera direção e posicionamento: intensidade. E essas aproximações são escolhas das diversas camadas que compõem o corpo de cada um e também o corpo social.

Me imantou a imagem de você estar no palco depois do agradecimento. Depois de acenderem as luzes para saída do público, no momento em que nos preparávamos para voltar para a rua, para o cotidiano, e ali te vi numa atitude receptiva, de certa forma provocativa, quase que pedindo esta aproximação, esta participação do público na possível continuidade e desdobramento da obra: mais uma vez a possibilidade do diálogo, acesso. Me lembrou o teatro épico de Brecht, a quebra da quarta parede, não só da arquitetura do palco mas da arquitetura que muitas vezes está introjetada nos comportamentos. Parecia que você afirmava que aquele trabalho não encerrava ali, como quando Allan Kaprow fala da beirada das pinturas de Jackson Pollock no chão de seu ateliê, em que os pingos de tinta da tela continuavam no chão: ali a passagem da obra para a vida.

Ao mesmo tempo que você afirma a importância de uma investigação plástica, sensível, formal, poética no sentido de autorreferenciar as artes e suas investigações (técnicas e da própria história da arte) abria espaço para que este mergulho fundo para dentro pudesse vazar proporcional para o que estava por vir na sequência da vida de cada um ali presente e também da vida da própria obra.

MR – A cada nova relação (do mesmo corpo, com outro corpo, e/ou com outro ambiente) novas cadeias de combinações se estruturam, e fornecem ali a diversidade de relações. No workshop, enfatizo a importância do estado de atenção de si para com o externo, o que chamo de escuta refinada.  Lidar com o imprevisto é reconhecer o próprio corpo e suas intensidades, dialogar com as condições determinantes existentes na pulsão dos outros corpos e compreender as características estruturais do ambiente que o cerca em todo momento. Entendo adaptação como técnica da incorporação de condições às novas circunstâncias. Em que tempo somos vítimas das imprevisibilidades?

A construção dessa ordem espetacular dissolvida no tempo de duração proposto na obra obedece às instruções do diretor, criador, porém não tem autonomia sobre o tempo consumido pelo espectador.  Sobre o tempo dissolvido no convencionado início, meio e fim de um espetáculo penso logo em limites. Onde esse tempo se desdobra? Naquele momento anteriormente mencionado por Fabíola, o fim do espetáculo foi se estabelecendo pelo espaço, pela falta de cortinas, pela permanência do espectador  no espaço cênico Ademar Guerra e também pela minha presença disponível em mais alguns minutos antes do meu longo banho pós tinta do Como risco….

Realizamos a performance-discurso que interviu na situação local  nas proximidades do CCSP. Registramos a ação em vídeo e inserimos no espetáculo. Anteriormente, tínhamos o registro de outra performance com o mesmo ponto de partida, realizada em Florianópolis. Ficou claro quão significativas são as diferenças nos contextos urbanos e a cultura neles impregnada. Deslocar o tempo da ação performada e inserir na cena foi uma forma de justapor um espaço daquele território num trabalho contextualizado no mesmo ambiente. Como uma janela ali na apresentação com vista para o contexto lá de fora. Ao mesmo tempo a performance é uma extensão do trabalho para dentro do cotidiano da cidade.

O espetáculo Como risco em papel foi piloto e ponto de partida do Projeto Dança Expandida no Centro Cultural São Paulo (CCSP) em parceria com 13º Cultura Inglesa Festival. Desta parceria institucional surgiu a possibilidade de esgarçar as especificidades da obra em desdobramentos que reuniram performance registrada e reintegrada ao espetáculo, workshop, debate sobre a obra e apresentações. A equipe para esse projeto que trabalhou junto comigo e a quem agradeço imensamente o empenho foi formada por Anderson Luiz do Carmo, Clélia Mello, Julia Amaral e Tiago Romagnani. Vejo que o projeto, no intuito de articular outros prismas da concepção do trabalho como expectativa primária proposta, trouxe mais um desdobramento e dessa vez na escrita juntamente com a generosidade da Fabíola.

Fabíola Salles Mariano é formada nas faculdades de Comunicação das Artes do Corpo pela PUC-SP e Artes Plásticas pela ECA-USP. É artista de circo desde 1998, tendo participado de espetáculos e festivais. Atualmente, faz parte de um grupo de pesquisa de butoh, além de desenvolver textos e outras criações do/no campo das artes performativas.

Marcela Reichelt é bailarina e coreógrafa. Durante seis anos integrou como bailarina o Grupo Cena 11 Cia. de Dança e com ela participou de mostras internacionais e residências.  Atualmente dedica-se ao seu trabalho solo.

This text was originally published at the website of GRiD-CCSP (“São Paulo Cultural Center Interdisciplinary Reflection Group”)

Introduction

The following text was created after a proposal of collaborative writing with the desire of being an encounter between two perceptions about the show Como Risco em Papel, directed and conceived by choreographer and dancer Marcela Reichelt, financed by the 13º Festival da Cultura Inglesa and awarded as Best Dance Work in this edition of the festival. Presented at Centro Cultural São Paulo in November 2009, the piece is part of the Dança Extendida program, under the curatorship of Alexandra Itacambira.

Dança expandida is a space that aims to foster and provide output to contemporary productions that have a characteristic of overflowing dance into other languages and that, in this direction, cover experimental processes open to discussion. The show Como Risco em Papel was inspired by Peter Greenaway’s film The Pillow Book and proposes a sensitive, haptic, expansion of dance towards the visual arts.

In the same period, besides presenting this piece at CCSP, Marcela also leaded the workshop Corpo Conduta Movimento and participated in a roundtable with the piece as subject. The idea for this text, written by myself and Reichelt, emerged after an exercise suggested by her in which two workshop participants stand in the middle of a circle and established a dialogue that took place through the encounter of their bodies. The instruction was that the movements, images and feelings altogether should describe a discourse before the eyes of the observer.

Controlling the unexpected?

Fabíolla Salles – To start this intertwinement I would like to comment that in your workshop Corpo Conduta Movimento the proposal of dialogue between two bodies generating, in action, discourses before our eyes was very striking. Mainly because you suggested the characteristic of this encounter, although free, should not be oppressive.

MR – What happens and what interests me in the proposed exercise between two bodies in the workshop are the possibilities of contact, exchanges and limits we discover with the other. The clearest way to perceive how aware we are of what we are producing in movement, in image and dialogue is to practice the reflection of the internal and external look. I believe a body with refined bodily listening does not oppress, it perceives, opts and is capable of freely dialoging more properly to weave specific relationships with space and with other bodies. This freedom is not simple at all, it requires its options in conversation with those of the others. In the eyes of those watching, the possibility remains open to follow and create discourses of their own, established by different understandings in relating with the context of each body, each person. Making a dialogue unilateral is deciding partially alone the course of actions.

FS- Lately I find myself suspended between these two looks: the internal and the external. The surface of Alice’s mirror in itself. I observe, I come closer, I compare, in daily life, visions, voices, architectures and these seem to configure a mutating drawing of a community. It´s like realizing not only the plural possibilities of the being in its individuality but also in the diversity of relationships it establishes with others, with places and also with what is not visible. And the surfaces that separate, insides and outsides, here and there, I from me, seem porous, definitive and also delicate.

I perceive delicacy in your work only not in terms of frailty but also of importance and gravity.

The surface is not about the superficial. Does the snake enter a crisis when it sheds its skin? It very likely does not. And our cells also change place, switch speeds, form and deform their qualities. The hard thing is to follow closely every micro movement of change. We often skip some frames and when we realize, we are startled by time, we place ourselves as victims of apparently unpredictable situations. It seems that this constant movement of a body only gets direction, meaning, when another body (attraction field) gets closer, generates direction and positioning: intensity. And these approximations are choices of different layers that compose each one’s body and also the social body.

The image of you being on stage after acknowledgement magnetized me. After the lights were on for the audience’s exit, in the moment in which we prepared to go back to the street, to every day life and there I saw you in a receptive, somehow provocative, attitude, almost like asking for this approximation, this participation of the audience in the likely continuity and unfoldment of the work piece: once more, the possibility of dialogue, access. It reminded me of Brecht’s epic theatre, the break of the fourth wall, not only in the stage architecture but also in the architecture that is often introjected in behavior. It seemed that you were stating that that piece didn´t end there, like when Allan Kaprow talks about the edges of Jackson Pollock’s paintings, in the floor of his studio, in which the drops of paint on the canvas were still on the floor: there was a crossover of the piece into life.

At the same time you assert the importance of an investigation that is plastic, sensitive, formal, poetic in the sense of self-referencing the art and its investigations (technical and the very history of art) opened space for this deep dive inside to overflow proportionally to what was to come in the life sequence of each one present and also in the life of the piece itself.

MR – In each new relationship (of the same body, with another body and/or with another environment) each new chain of combinations is structured and provides the diversity of relationships. In the workshop I emphasize the importance of the state of awareness from the self to the outside, what I call refined listening. Dealing with the unexpected is acknowledging the body itself and its intensities, dialoguing with the determining conditions existing in the drive of the other bodies and understand the structural characteristics of the surrounding environment at all times. I understand adaptation as the technique of incorporating conditions to the new circumstances. At which time are we victims of unpredictabilities?

The construction of this spectacular order dissolved in the duration proposed by the piece obeys the director’s instructions, however the creator does not have autonomy over the time consumed by the spectator. Regarding time dissolved in the established beginning, middle and end of a show I instantly think of limits. Where does this time unfold? In that moment previously mentioned by Fabíola, the end of the show was established by space, by the lack of curtains, by the spectator remaining in the Ademar Guerra scenic space and also by my available presence for a few more minutes before my shower after the Como risco paint.

We carried out a discourse performance that intervened in the local situation in the vicinities of CCSP. We recorded the action in video and inserted it in the show. Previously we had the video of another performance with the same starting point, presented in Florianópolis. It was clear how significant the difference in urban contexts and the culture impregnated in them is. Shifting the time of the performed action and inserting the scene was a way to juxtapose a space of that territory in a piece contextualized in the same environment. Like a window in the performance with a view to the context outside. At the same time the performance is an extension of piece inside the city’s daily life.

The show Como risco em papel was the pilot and the starting point of the Dança Expandida project at Centro Cultural São Paulo in partnership with the 13 Cultura Inglesa Festival. Out of this institutional partnership emerged the possibility of widening the specificities of the piece into developments that gathered the performance recorded and reintegrated into the show, a workshop, a debate about the piece and presentations. The team that worked with me in this project and whose effort I immensely thank was formed by Anderson Luiz do Carmo, Clélia Mello, Julia Amaral e Tiago Romagnani. I see the project aiming to articulate other conception prisms of the work, as a proposed primary expectation, brought another unfoldment and this time in the writing along with Fabíola’s generosity.

Fabíolla Salles Mariano graduated in Communication of the Arts of the Body at PUC-SP and in Plastic Arts at ECA-USP. She has been a circus artist since 1998, having participated in shows and festivals. She is currently part of a Butoh research group and develops texts and other creations from/at the performing arts field.

Marcela Reichelt is a dancer and choreographer. For six years, she was a dancer of Grupo Cena 11 Cia. de Dança and with them she participated in international showcases and residencies. She is currently developing solo work.