É sempre bom entrar em sintonia com idéias, acaba sendo um estímulo para que a gente não se acomode.
A respeito das medidas práticas, digo que é um trabalho lento, de construção a cada dia. Tecnicamente, temos um programa básico com tipos de exercícios que achamos eficientes, e algumas metas que procuramos atingir com os alunos conforme o nível de cada um. As metas acabam sendo mais referenciais do que os exercícios propriamente, o que gera uma liberdade, podendo cada professor ter suas características e alguns procedimentos mais individualizados. Nesse sentido, para termos uma linha de trabalho, os professores se encontram mensalmente para trocar essas experiências, visto também que sempre se reciclam com outros aprendizados técnicos que compartilham com o grupo – Pilates, Reeducação de Movimento, Percepção Musical e outras referenciais da dança.
Mas, as outras ações que julgo fundamentais para uma formação mais consistente, são realizadas paralelamente às aulas práticas. São, entre elas, aulas teóricas, mostras de trabalhos de alunos, mostras de vídeos, temas para que os alunos pesquisem sobre eles, projetos alternativos com cursos de pequena duração e o Encontro Corpo de Dança Contemporânea que já passou a ser um evento referencial em Belo Horizonte.
Digo que é um trabalho lento, pois a questão vem desde a raiz da educação como um todo. Se nas Faculdades o problema já é tão evidente, imagine nas academias! Há que se investir na medida dos limites e ir ampliando os limites, começando a trabalhar a própria postura dos alunos que vão procurar a dança, desde a infância. A sociedade de consumo banaliza a relação com as atividades artísticas e há uma infinidade de “escolas” com professores mal formados e mal orientados, repetindo e reafirmando essa banalização. E as famílias acabam se acostumando com os tais “festivais”, apresentações sem conteúdo, produtos de consumo barato e efêmero. E no Brasil, ainda é pior, pela reprodução em massa do lixo dos ditos países desenvolvidos.
A conversa é longa. Tanto sobre as medidas práticas quanto sobre que questões são essas que os artistas da dança contemporânea trazem ao construírem seus trabalhos, desenvolverem suas idéias, num país onde a educação é precária e elitista.
Sobre sua vinda a Belo Horizonte, se for realmente na primeira semana de junho, é possível que eu não esteja aqui (vou fazer uma viagem a trabalho). Mas o Fernando de Castro, Diretor da Escola, terá o maior prazer em recebê-lo.
Um abraço, Lelena.

Paula Felitto Varzim – 4o ano Facul. Artes do Paraná

Meu nome é Lelena Lucas, sou professora de Dança Contemporânea, bailarina, coreógrafa e Coordenadora da Corpo Escola de Dança (a Escola do Grupo Corpo).
Imprimi seu texto com os comentários (até o de Joça Vergo com sua resposta a ele), passei para os professores, meus colegas na Escola, e indiquei o site para que os meus alunos possam apreciar e participar da discussão. Temos feito, na medida do possível, algumas ações que estimulem o pensamento sobre esse tipo de questão que você apresenta (entre outras que julgamos importantes).

Convivemos, todos nós, cada um em seu contexto, com inúmeros artistas e “educadores” inquietos, experimentando caminhos, lançando questões. E são os questionamentos que nos tornam menos medíocres e arrogantes.

A necessidade extrema de querer formatar o estudo e os processos da dança contemporânea empobrece a espontaneidade e a investigação que penso serem seus princípios naturais.

Uma questão a ser pensada é a de que vivemos em pequenos guetos e muitas vezes limitamos o nosso diálogo com nossos “semelhantes”, artística e intelectualmente.
A arte tem sua natureza na necessidade de expressão. E tem a essência na subjetividade.
Quando falamos da dança, não podemos jogar fora a sua história, e nem jogar fora as inúmeras manifestações populares e não “intelectualizadas” da dança.
Muitos foram e são os que deixam herança, herança da qual nós, professores e artistas nos alimentamos. Técnicas, metodologias, linguagens, caminhos, processos de trabalho. E por aí vamos tateando e imprimindo algo de pessoal, que é a tradução daquilo que digerimos e transformamos.

Há uma infinidade de fontes a serem pesquisadas, trocas possíveis, ambientes para compartilharmos. As técnicas corporais são inúmeras, e elas ampliam as possibilidades do corpo e conseqüentemente as possibilidades de expressão.

Mas penso que muitos profissionais da dança contemporânea ainda são muito elitistas e preconceituosos. E que pouco alcançam na essencial necessidade de se expressarem como artistas. Permanecem num narcisismo de “dialogar” sempre com o que é muito semelhante e têm pouco embasamento em todos os níveis.

Critico grande parte dos textos que tentam descrever os “produtos” artísticos da dança contemporânea – espetáculos, performances, apresentações públicas. Acho que os textos são pobres em relação aos próprios trabalhos, e muitos deles parecem que pouco se importam com o público que pretendem atingir. Há uma necessidade de intelectualizar com pouca fundamentação, que a meu ver, diminui o sentido e o alcance subjetivo da arte. E muitos se perdem numa repetição de fórmulas e palavras vazias de conteúdo e expressão.

Não acredito que exista nenhum “modo único” para se ensinar nenhum tipo de arte. E por isso devemos ser mais flexíveis e humildes. A troca pode e deve ser promovida, a favor da elaboração e “re-elaboração do sensível”. O que vejo é um número relativamente pequeno de intelectuais da dança (que em sua maioria são também artistas) que levantam as questões e um número grande de academias ou escolas que se limitam ao treinamento corporal de seus alunos. Sei bem por experiência própria o quanto é difícil trazer as questões para o dia a dia de uma academia ou escola particular até mesmo por ser difícil mantê-las financeiramente. E é muito grande o número de bailarinos e coreógrafos que se formaram através desse caminho do treinamento técnico, sem referências históricas, sem questionamento intelectual, com pouco trânsito pelas outras artes, misturando tudo sem ter base de nada. Mas é possível fazer alguma coisa aos poucos, com paciência e dedicação, promover ambientes para estimular nos alunos a vontade de saber mais, de pensar, de questionar.

Existem muitas técnicas a serem visitadas para que os artistas possam elaborar em seus corpos suas questões. Mas a pouca informação, tanto técnica quanto intelectual, limita as possibilidades do corpo e pode empobrecer as próprias questões.
As vivências e os caminhos precisam ser registrados e compartilhados, não para se fecharem em técnicas ou metodologias estabelecidas, mas sim para servirem de fontes, material a ser explorado, transformado e transgredido pelo caos da contemporaneidade e da eterna inquietude inerentes à arte. Penso, portanto, que a pedagogia da dança contemporânea deve caminhar na direção de criar possibilidades de experimentação e troca, na ampliação do conhecimento da contextualização histórica das inúmeras manifestações e na possibilidade de trânsito pelas outras artes de maneira mais consciente e consistente.

Obrigada pelo seu texto e pela oportunidade de compartilhar. Essa já é, de certa forma, uma “ação conjunta”. E que esse espaço de interlocução continue a se desenvolver com essa finalidade.

A arte da dança acompanha os seres humanos desde o princípio da sua evolução. Seu principal instrumento de trabalho é o corpo humano fator pelo qual a torna essencial para o sadio e integral desenvolvimento da espécie humana.
Antes da fala o movimento já existia, era através do corpo que os seres expressavam-se demonstrando seus sentimentos de alegria, satisfações, agradecimentos, frustrações, anseios, desejos, enfim a dança surgiu através da necessidade dos humanos em unificarem-se com o universo e sua ritmicidade tem este poder mágico.
Relembrando estes fatos, nos remetemos aos dias de hoje e analisamos o significado da dança para nossa sociedade. Os corpos atualmente perderam sua vivacidade, são corpos fragmentados e a dança reflete isto através da falta de sensibilidade e conhecimento do próprio corpo, o que é uma continuidade do processo histórico em que vivemos. Hoje com os grandes interesses capitais, o dinheiro assume grande valor, direcionando as atenções às coisas externas, deixando o corpo cada vez mais esquecido havendo uma total desconsideração por sua totalidade.
A dança contemporânea hoje vive um conflito de identidade, pois se acha perdida na tentativa de solucionar estes problemas expressando-os coreograficamente, ao reproduzi-los em cena não contribui para uma real mudança em relação ao resgate de sua principal função que é a de levar os indivíduos a um estado de êxtase. Para uma modificação é necessário que os professores e coreógrafos estejam conscientes das suas funções e responsabilidades perante o compromisso que tem com o ambiente que o cerca, porque deles depende o presente e o futuro do planeta.
As técnicas específicas de dança como o Balé Clássico e de Dança Moderna de: Martha Graham, Mary Wigman, Doris Humphrey, Rudolf Laban entre outras são de extrema importância neste processo e jamais devem ser descartadas, pois quando praticadas conscientemente permitem aos bailarinos modificações físicas, espirituais e mentais que os remetem a unificação com o Universo. Quem estuda verdadeiramente a dança entregando-se a ela, experimenta uma mudança permanente dando à sua vida um profundo valor tornando-se um sábio. Como dizia Confúcio, “As pessoas comuns valorizam coisas grandiosas, o sábio é aquele que valoriza as coisas mais simples da vida” e também Peter Brook ” É preciso fazer a preparação para jogá-la fora, construir para poder demolir. Procedimentos inventados para liberar a intuição e aguçar a sensibilidade do intérprete resultam em uma abundante matéria energética à qual é preciso imprimir uma forma adequada ao tempo, ao espaço e à necessidade vital do público.
O resultado não será, assim, a oferenda sacrificial do artista, mas uma saudável mistura entre a pureza de um desígnio interior e a impureza do cotidiano, uma vez que seria inviável a existência de um teatro idealista, que teima em permanecer à margem da rude textura deste mundo”.
Através de uma técnica o bailarino adquire a liberdade de expressar o mais verdadeiro sentimento traduzido através de seus movimentos e também tem a possibilidade de executar os passos propostos pelo coreógrafo, porque da forma contrária seria frustrante para este não ter um corpo disponível apto ao seu trabalho tecnicamente o que limitaria seu processo criativo de coreógrafo em dança. Lembrando que o significado de técnica remete a tudo aquilo que facilita as práticas humanas em seus atos e ações.
Nos dias de hoje onde existem vertentes da nova dança onde se experimenta e se pesquisa novas formas de expressões através do corpo, essas técnicas tradicionais vem sido esquecidas e acaba surgindo no Brasil Cias. que dizem fazer dança-teatro, pouquíssimas com sucesso e fundamentadas nestas técnicas.
Assistindo em Porto Alegre, Rs, espetáculos deste segmento não se vê nestas obras embasamento técnico de dança e muito menos técnica de teatro, caindo numa gestualidade banal e gratuita nada convincente que frustra a pobre platéia que sai reflexiva, perguntando: Isso é Dança Contemporânea?
Nada melhor que assistir ao vivo o espetáculo ”Para as Crianças de Ontem” de Pina Bausch apresentado no Porto Alegre em Cena em 2006, onde seus interpretes além de carregarem um tom cômico e dramático, bailavam e deslizavam pelo piso mostrando inseridos em seus corpos toda destreza, delicadeza e a vivência de seus anos de técnicas praticadas e desconstruídas pelo processo criativo e estudado de sua coreógrafa tão bem adequada dentro desta linguagem criado por ela própria, Dança-Teatro.
Nos dias de hoje onde a revolução da genética descobre segredos dos genes dos nossos antepassados, nosso corpo também carrega um gen de todas experiências praticadas numa memória corporal que registra todo movimento experienciado.
Valendo-se deste fato científico fica nossa preocupação sobre o conhecimento adquirido de professor para aluno, ou seja, o conhecimento empírico que se adquire nas escolas tradicionais de dança com grandes mestres formadores de bailarinos no decorrer de gerações.
Havendo universidades em nosso Estado, RS, formadoras de profissionais licenciados em dança cabe ressaltar que é de grande reconhecimento a educação por meio desta, já que é uma manifestação espontânea e criativa, contribuindo fortemente para uma significativa mudança através do ensino, o qual desenvolve aspectos sócio-afetivos, cognitivos e motores dos alunos de todas as idades.
Também é de extrema importância que estas instituições através de seus currículos tenham um olhar atento para o reconhecimento do valor cultural que as danças teatrais e seus bailarinos desempenham nas sociedades. Estas duas formas de conhecimento da dança devem ser respeitadas e compreendidas, pois apesar de apontarem objetivos um pouco distintos em termos de “educação” tendem a convergir na “transcedência do ser que dança” levando-o a uma única forma de perceber o sabor da vida. As danças teatrais ditam os trilhos seguidos pelo desenvolvimento humano e significam as capacidades destes em cada passagem da vida, desmerece-las não é correto, porque para que haja mudanças estas devem ser graduais e implicam um processo de seleção e adaptação de um todo.

Queremos deixar nosso apelo para 29 de abril o Dia Internacional da Dança, a necessidade de preservarmos como um DNA as técnicas formadoras de corpos em dança, moldados feito esculturas por um artista plástico e que nos liberta dos limites imposto pela força da gravidade em expressões de movimentos interpretativos de sentimentos inerentes ao cerne do ser, como um resgate ao nosso Patrimônio Histórico, que é a dança.

Joca Vergo Diretor e Coreógrafo; Graduação Tecnólogo em Dança ULBRA; Coordenador de Dança do Sated/rs
Marilice Bastos Bailarina , Professora de Martha Graham, Graduação Educação Física UFRGS