Live Art – uma questão | Live Art – a question
Este texto é oferecido em português pelo British Council.
Traduzido por Renato Mayer.
uma questão de forma
Surge uma luz e algo acontece. Franko B
A Live Art é hoje reconhecida como um dos espaços criativos mais vitais e influentes no Reino Unido. A Live Art funciona como uma máquina de pesquisa, conduzida por artistas que trabalham através de formas, contextos e espaços no sentido de criar e inaugurar novos modelos artísticos, novas linguagens para a representação de idéias e novas estratégias de intervenção no domínio do público.
Desenvolvendo-se, no século 20, a partir das experiências com práticas ao vivo de vários artistas e, em especial, das metodologias de Arte Performática de artistas visuais, a Live Art, neste século 21, é um campo continuamente em expansão, o qual abrange desde instalações com base no tempo, em uma ponta, aos limites do que é teatro, na outra. Entre uma fronteira e outra, trata de dança, cinema e vídeo, escritos performáticos, ativismo sócio-político e das linguagens emergentes da era digital.
Das esculturas de base corporal de Franko B às pesquisas em teatro do Forced Entertainment, às experimentações coreográficas de La Ribot, às interações virtuais do Blast Theory, às jornadas sensoriais de motiroti, às intervenções geo-políticas do Mad For Real, às performances em locações específicas da Curious International, emergem as mais variadas questões acerca da natureza, função e experiência dessa arte que é “viva”, formuladas das maneiras mais excitantes, urgentes e desafiadoras por uma ampla gama de praticantes.
O termo Live Art não descreve uma forma particular de expressão ou campo artístico, mas, sim, uma estratégia cultural de inclusão de processos e práticas experimentais que, de outro modo, poderiam vir a ser excluídos das estruturas estabelecidas na cultura, crítica e curadoria. A Live Art é, pois, uma estratégia traçada para abranger formas de trabalho que não se enquadram facilmente dentro dos sistemas e fronteiras normalmente reconhecidos e para patrocinar artistas que optam por trabalharem através das, nos interstícios ou, ainda, nos limites das formas artísticas mais tradicionais.
Falar de Live Art é falar de uma arte que está viva e ativa, de uma arte que se interessa pelo potencial do corpo e por questões de espaço e tempo; de uma arte que investe em idéias de processos, presenças e experimentações, tanto quanto na produção de objetos ou coisas; de uma arte que busca testar os limites do possível e do permissível; de uma arte que procura estar alerta e responder aos seus contextos, locais e públicos.
A Live Art sugere que os valores e expectativas culturais que atribuímos às práticas contemporâneas não devam ser determinadas pela reverência à forma, mas pela busca de novas idéias e novas experiências.
uma questão de artistas
A Live Art oferece um abrigo aos artistas cujo trabalho não se ajusta aos marcos estreitos das designações tradicionais. Joshua Sofaer
Influenciado pelas metodologias iniciais da Arte Performática, nas quais os artistas visuais, em sua rejeição dos objetos e da mercantilização da arte, voltavam-se para o corpo como seu espaço e material de trabalho, um numeroso grupo de praticantes tem mantido seu entusiasmo com as possibilidades do artista ser visto como sujeito e objeto e da força derivada do evento “vivo”.
O conceito e a prática da Live Art são empregados por artistas cujo trabalho tem raízes num vasto conjunto de áreas de expressão. São escultores e pintores, criadores teatrais, coreógrafos e artistas do vídeo, um pool de artistas que vem testando os limites de suas práticas, cruzando-as com outros caminhos, obscurecendo as fronteiras de uns e de outros e, nesse processo, têm produzido novos modelos culturais e novas formas de mobilizar platéias.
Live Art é, portanto, o mecanismo de enquadramento de uma série de tratamentos artísticos das questões do “lidar com o vivo”, levantadas por artistas que não desejam ficar contidos numa fronteira ou compartimento cultural.
Fazendo teatro para platéias que “cresceram com a televisão sempre ligada”, o Forced Entertainment surgiu de uma geração de artistas que vêm reescrevendo as regras do teatro para que reflitam as condições do contemporâneo. Influenciado pela arte visual e pela cultura popular como qualquer cânone literário, o grupo desconstrói o que o teatro pretende figurar, acaba com suas linguagens e códigos de representação e recria as histórias que conta. Levando o seu trabalho a teatros, galerias, locais específicos, como também à web e às telas dos computadores, o Forced Entertainment rompeu com todas as tradições de local, circunstância, estética e expectativas de uma apresentação teatral.
Como tantos coreógrafos de sua geração, La Ribot se dedicou a investigar a natureza do corpo em performance, estendendo os limites das convenções formais e testando as tensões e fronteiras entre a arte visual, a performance e a dança. Colocando-se a si mesma no centro dessa “superfície escorregadia” composta de áreas de expressão artística, imagens e significados, sua prática ocupa um espaço em algum lugar entre a dança, a arte performática, a arte visual e o discurso feminista, recorrendo ao corpo da artista, seja como “uma mulher”, “uma tela”, “um objeto” e “um conceito”.
Ao empregarem o corpo como um espaço ativo e, freqüentemente, transgressor, as práticas da Live Art tornaram-se centrais aos discursos contemporâneos acerca da política do corpo. O pintor, escultor e artista performático Franko B situa-se na vanguarda dos artistas que testam não somente os limites do permissível em termos de representações do corpo, mas os limites do próprio corpo material. No trabalho ao vivo de Franko B, seu corpo nu, monocromático, sanguinolento, abjeto, transforma-se no próprio local de expressão do sagrado, do profano e do indizível, assim como em um convite ao testemunho da condição humana no que há de mais carnal e exposto. Numa época em que imagens de violência e de manifestações extremas passaram a entretenimento diário no Reino Unido, Franko B usa seu corpo ensangüentado como uma afirmação de vida e beleza.
A Live Art oferece um espaço no qual os artistas podem assumir riscos formais e conceituais, criar um contexto de escolha de diferentes meios de expressão, explorar idéias de processo e presença e ainda investigar as relações com o público.
Para inúmeros artistas, a Live Art se afigura uma força geradora no sentido de destruir aquilo que é aparência, de dar oportunidade a uma imersão sensorial, de chocar, romper com as tradições de representação, criar diferentes tipos de envolvimento com significado.
As práticas da Live Art vêm pavimentando o caminho de novas estratégias de expressão de identidades que ultrapassam as velhas distinções de etnicidade, gênero e sexualidade. Para artistas que vão além da representação da identidade e da diversidade, a Live Art oferece novas linguagens para reescrever as narrativas culturais dominantes e espaços onde incorporar as realidades vividas da diferença cultural. Artistas como motiroti ou Stacy Makishi tratam a Live Art como um espaço de ruptura com gêneros, identidades, culturas e políticas, um espaço onde se incorporam as complexidades da identidade e se problematizam os significantes da diferença; um espaço para o público contemplar sua própria relação com “o Outro”.
Artistas como Matt Fraser, cuja prática é informada por sua condição de deficiente devido à Talidomida, remédio tomado durante sua gestação, com freqüência confrontam sua diferença física numa performance que desafia as percepções da sociedade, suas expectativas e leituras do corpo. A mulher/mãe/artista Bobby Baker utiliza a realização de tarefas domésticas diárias como cozinhar e ir às compras para revelar as profundezas ocultas sob o aparentemente mundano e prosaico e produz uma arte que fala de vidas reais e experiências vivenciadas, todas quase sempre negadas ou desprezadas.
Para muitos artistas mulheres, gays, de outra cultura ou deficientes, cujas vidas e experiências têm sido marginalizadas no âmbito da cultura dominante no Reino Unido, a Live Art tem-se mostrado um espaço poderoso, no qual os destituídos e desencarnados tornam-se visíveis, no qual se contestam as políticas da diferença, no qual se confronta a complexidade e se ressaltam diferentes modos de estar no mundo.
A Live Art rompe com as regras de quem, de como e para quem se faz arte.
uma questão de platéiasNuma época em que somos diminuídos pelas grandes empresas, celebridades e políticos, não surpreende que haja um crescente apetite por experiências íntimas, interativas. Kate Stratton, Revista Time Out
Ao cruzar formas e espaços, as práticas da Live Art têm-se mostrado particularmente bem sortidas para enfrentar a complexidade e a sofisticação dos valores, identidades e expectativas das platéias contemporâneas. A Live Art questiona pressupostos e desafia expectativas acerca de quem pode constituir uma platéia, no que esta poderia estar interessada e de quais os meios para se dirigir a ela.
O público da Live Art não é apenas um, mas muitos. Pode-se vivenciar a Live Art enquanto um ato numa galeria, uma performance em um teatro, um acontecimento em algum local incomum, um evento num clube noturno ou um processo no qual uma pessoa se vê envolvida. Alguns podem nem se dar conta de que se trata de Arte com a maiúsculo e que eles são a platéia, qualquer que seja o sentido convencional do termo. As práticas da Live Art englobam todos os tipos de intervenções no domínio do público e todos os tipos de encontros com a platéia.
A platéia da mais nova obra midiática “Can You See Me Now”, do Blast Theory, incluía muitos jovens jogadores online engajados numa obra de arte desse seu jeito usual e não por meio de visita a uma galeria de arte ou de ingresso em um teatro.
As economias da Live Art abrangem uma infinidade de escalas: desde a intimidade de um encontro artista-platéia, um a um, em obras como “Say Cheese”, de Oreet Ashery, na qual você é convidado a passar algum tempo no quarto de dormir com Oreet na figura do seu alter ego chassídico Marcus Fisher, até um espetáculo de performance em larga escala, como “The Bastille Dances”, da Station House Opera, em que, ao longo de várias horas, um pequeno exército de performáticos constroem e desconstroem monumentos cívicos utilizando milhares de blocos de cimento misturado com cinzas.
Não há assunto que seja tão vasto ou tão menor ou questão tão incômoda que não possa ser abordada pela Live Art. Dos limites do corpo material nas performances de Franko B às minúcias das vidas cotidianas das mulheres, com Bobby Baker, a Live Art se constitui num contexto no qual todo tipo de idéias sobre o mundo que nos cerca pode ser não apenas imaginado, como até mesmo materializado e transformado em algo ativo.
A Live Art pode provocar, entreter, perturbar, seduzir, enfurecer, desafiar, incomodar, contestar, confundir, rejeitar ou contentar suas platéias, tudo isso muitas vezes ao mesmo tempo. Para alguns, a Live Art poderia ser um local para refletir sobre sua próprias atitudes, medos e desejos. Para outros, um processo no qual suas próprias vidas se tornam mais visíveis, com freqüência, pela primeira vez.
A Live Art oferece às platéias experiências cruas, de intimidade e imersão, que freqüentemente rompem com a distinção entre espectador e participante. Ela nos indaga o que significa estar aqui e agora. Na simultaneidade e interatividade de uma sociedade saturada de mídia, a Live Art trabalha e investe nos conceitos de imediação e realidade, criando espaços para explorar a experiência das coisas, as ambigüidades do significado e as responsabilidades do agente individual.
A Live Art está atenta ao seu público e às condições do contemporâneo. Como resposta, as práticas e abordagens buscadas são as que envolvem risco, diferença e dúvida: seus artistas querem que sua arte seja provocativa e não decorativa, imediata e não mediada e questionadora, mais do que afirmativa.
uma questão de política Uma das funções da arte é a de derrubar as fronteiras entre as diferentes formas, estilos e modos de expressão. Peter Hewitt, Conselho de Artes da Inglaterra
A Live Art não pode ser situada dentro de uma história particular, nem vista através da lente de uma determinada disciplina ou, ainda, enquadrada nos marcos de alguma fronteira ou espaço. Como tal, se apresenta como um desafio às questões de política cultural e de suas medidas. No entanto, é um desafio essencial a uma cultura saudável e a uma política cultural sintonizada e vibrante.
A Live Art corrói as fronteiras estabelecidas da arte e rompe com modelos culturais. Um corpo errático, desajeitado, impossível de definir e difícil de acomodar, a Live Art torna-se, de muitas maneiras, uma anomalia incontrolável que não se enquadra nas estruturas e padrões culturais reconhecidos.
Ao mesmo tempo, é sinônimo de inovação, risco e de “cruzamento de fronteiras”, ao mapear os territórios nos quais se forjam novas idéias e se concebem novas maneiras de se estar no mundo. Mantém-nos alertas quanto a nossas expectativas e responsabilidades nas questões de forma, local, platéia e valores culturais.
A Live Art está na linha de frente das investigações do que é a cultura e onde ela se acha, de quem são os artistas, de como estes se formam, do que seja uma platéia e de como pode ser atingida. A questão de como as políticas culturais podem demarcar e investir em práticas tão itinerantes e voláteis como as da Live Art nunca foi tão essencial como agora.
uma questão de internacionalismoCom o nosso programa de eventos ao vivo, estamos tentando confrontar visões negativas residuais do Reino Unido como limitado e retrógrado…as platéias estão sedentas e abertas ao produto cultural inovador.Grainne Brunsdon, British Council, Austrália
O conceito e a prática da Live Art no Reino Unido parecem atrair interesse crescente de artistas, acadêmicos, produtores culturais e platéias em todo o mundo.
A Live Art vem sendo encarada no mundo inteiro como um modelo possível, para muitos artistas e divulgadores, de tratamento, apoio e promoção de práticas “vivas” experimentais, que cobrem vários campos artísticos mais tradicionais ou se situam em seus limites ou mesmo nos espaços entre eles. Debates como este, em torno da idéia da Live Art enquanto estratégia cultural e discurso crítico, vêm tendo lugar não apenas aqui no Brasil, mas em todas as partes, de Beijing a Sidney e à Sibéria.
São práticas que respondem a uma diversidade de contextos culturais, de locais e platéias, estas desejosas de romper com as tradições de representação e que empregam uma diversidade de vocabulários, em tudo contribuindo para que a Live Art atravesse e transcenda as fronteiras culturais e geopolíticas.
A Live Art rompe também com freqüência com os modelos aceitos de intercâmbio cultural. Pois apresenta práticas não previamente estabelecidas, mas geralmente apoiadas em processos fundados na especificidade daquele lugar e espaço, práticas que tornam indistintas as diferenças entre espectador e participante, geram interação e estimulam o diálogo. Nesses processos, as práticas da Live Art conseguem pôr abaixo todos os tipos de fronteiras e ampliar nossa compreensão do outro. Nos últimos anos, o intercâmbio internacional em Live Art variou de trabalhos em conjunto de Robert Pacitti, com artistas no Brasil e no interior remoto da Austrália, a projetos como o “Fragrant”, de Jyll Bradley, feito com habitantes de Bogotá.
A Live Art se apresenta como uma proposta vibrante de desenvolvimento do diálogo internacional e, em muitos aspectos, dos tipos de visão inter-cultural e de entendimento, tão necessários neste século 21.
uma questão de apresentaçãoOs prédios onde, tradicionalmente, as artes são exibidas terão que se adaptar às demandas, tanto dos artistas como do público, no sentido de redesenhar seus espaços.Robert Hewison, “Towards 2010: New Times, New Challenges For The Arts”
A natureza diversificada, itinerante e volátil das práticas e tratamentos da Live Art levanta uma série de questões quanto à apresentação.
A Live Art acaba ocupando não apenas um espaço ou circunstância, mas vários: desde o institucional até as intervenções conduzidas pelo artista; das ações em galerias e performances em teatros a artistas que trabalham fora das restrições da cultura oficial, em espaços cívicos ou sociais, em locais inesperados e surpreendentes, ou em pontos nos quais convergem as culturas viva e a mediada.
As novas práticas com base na mídia, como as do Blast Theory e a obra de locações específicas da Curious International, e o ativismo político do Mad For Real contribuem todas para expandir os padrões formais e culturais de como a arte é entendida, de modo a ocupar e colocar desafios estimulantes quanto a como enquadrar e promover tais práticas.
Muitas das apresentações e práticas da Live Art, pelo seu formato e espaço de desenvolvimento, acabam por transformar em problema a apresentação e representação, por romper com convenções, resistir à institucionalização ou deixar para as entidades organizadoras contornarem as condições de ocupação de um teatro por 24 horas ou de uma performance dentro de uma galeria, de um evento com locação específica, de um encontro teatral cara a cara, ou, ainda, de uma obra que só existe armazenada em mídia.
A Live Art sugere alternativas que tanto os artistas como os apresentadores possam explorar, em termos de representação da arte e de idéias e de novos meios de alcance e envolvimento de platéias.
O espectro de artistas e tratamentos que se encontram na Live Art, assim como as expectativas e experiências cambiantes dos próprios artistas no desenvolvimento do seu trabalho, demandam uma infra-estrutura que possa oferecer diferentes níveis de investimento no conceito e prática da Live Art e graus variados de riscos a serem assumidos: desde os programadores, redes e entidades da Live Art, voltadas para a constituição de estruturas de apoio artístico, até a rede mais ampla e complexa de apresentadores da Live Art ou a vasta programação de galerias, teatros, festivais ou espaços comunitários.
Numa ponta do espectro, a Live Art mobilizou e abriu novas possibilidades no âmbito de algumas das principais instituições do Reino Unido, mediante iniciativas como o evento Live Culture, promovido pela Live Art Development Agency na Tate Modern, em 2003 (todos os videoclips são do Live Culture). No outro, a natureza experimental e empírica da Live Art requer contextos seguros, nos quais novos artistas e novas idéias possam ser incubados, em condições de risco muito elevado.
A Live Art Development Agency foi implantada como o espaço seguro de resposta às variadas necessidades dos artistas e como entidade de apoio ao desenvolvimento de locais especializados e garantidos para a Live Art. No Reino Unido, a Live Art Development Agency é a principal organização dedicada ao desenvolvimento da Live Art. Opera em parceria com os artistas praticantes, organizações e entidades em iniciativas de curadoria, desenvolve estratégias de incentivo do gosto popular e da crítica, fornece assessoria e informações de caráter prático e abre oportunidades de diálogo, debate, pesquisa e treinamento.
*Lois Keidan é a criadora da Agência de Desenvolvimento da Live Art, em Londres.
Este texto é a base da palestra dada por ela no Rio e em São Paulo, dentro da programação do último Panorama Rioarte de Dança. Para maiores informações sobre as atividades da Live Art Development Agency, visite o site da agência .A light comes on and something happens. Franko B
Live Art is now recognised as one of the most vital and influential of creative spaces in the UK. Live Art is a research engine, driven by artists who are working across forms, contexts and spaces to open up new artistic models, new languages for the representation of ideas and new strategies for intervening in the public realm.
Evolving from experiments within ‘live’ practices by a range of artists in the 20th century, and particularly the Performance Art methodologies of visual artists, Live Art in the 21st century is an ever expanding field that spans time based installation at one extreme and the limits of the theatrical at the other. In between, it touches upon the edges of dance, film and video, performance writing, socio-political activism and the emerging languages of the digital age.
From body based sculptures by Franko B to theatrical enquiries by Forced Entertainment, choreographic experiments by La Ribot, virtual interactions by Blast Theory sensory journeys by motiroti, geo political interventions by Mad For Real and location specific performances by Curious International, questions about the nature, role and experience of art that is ‘live’ are being asked by a wide range of practitioners in exciting, urgent and challenging ways.
The term Live Art is not a description of a singular artform or discipline, but a cultural strategy to include experimental processes and practices that might otherwise be excluded from established curatorial, cultural and critical frameworks. Live Art is a strategy to embrace ways of working that do not sit easily within received structures and boundaries, and to empower artists who chose to operate across, in between and at the edges of more traditional artistic forms.
To talk about Live Art is to talk about art that is alive and active, art that is interested in the potential of the body and questions of space and of time; art that invests in ideas of process, presence and experience as much as the production of objects or things; art that wants to test the limits of the possible and the permissible; and art that seeks to be alert and responsive to its contexts, sites and audiences.
Live Art suggests that the cultural values and expectations we place on contemporary practices should not be determined by a reverence to form but by the pursuit of new ideas and new experiences.
Live Art – a question of artists
Live Art offers a haven to artists whose work does not comply with the strictures of traditional designations. Joshua Sofaer.
Influenced by early Performance Artist methodologies where visual artists, in a rejection of objects and the commodifiction of art, turned to the body as their site and material, a diverse range of practitioners continue to be excited by the possibilities of the artist as subject and object and the potency of the ‘live’ event. .
The concept and practice of Live Art is employed by artists whose work is rooted in a broad church of disciplines. .
From sculptors and painters, to theatre makers, choreographers and video artists, a gene pool of artists are testing the limits of their practices, crossing each others paths, blurring each others edges and, in the process, opening up new cultural models and new ways of activating audiences. .
Live Art is a framing device for a catalogue of approaches to questions of ‘liveness’ being asked by artists who do want to be held in any cultural boundary or place. .
Setting out to make theatre for audiences ‘who grew up with the televisionalways on’, Forced Entertainment come from a generation of artists who have rewritten the rules of theatre to reflect the conditions of thecontemporary. As influenced by visual art and popular culture as anyliterary canon, they have destroyed the pretence of theatre, smashed thelanguages and codes of its performance and reimagined the stories it cantell. Working in theatres, galleries, site specific locations and on thepage, screen and web Forced Entertainment have broken with all of thetraditions of the site, circumstance, aesthetics and expectations oftheatrical performance.
Like many choreographers of her generation, La Ribot is committed to investigating the nature of the body in performance, extending the boundaries of formal conventions and testing the tensions and borders between visual art, performance and dance. Placing herself at the centre of a ‘slippery surface’ of disciplines, images and meanings, her practice occupies a space somewhere between dance, performance art, visual art and feminist discourse, employing the artist’s body as ‘a woman’, ‘a canvas’, ‘an object’ and ‘a concept’.
In their employment of the body as an active and, often transgressive site Live Art practices are central to contemporary discourses around thepolitics of the body. Painter, sculptor and performance artist Franko B is at the forefront of artists testing not only the limits of the permissible in representations of the body, but the limits of the material body itself. In Franko B’s live work his abject, naked, monochromatic, bloodied body is a site to express the sacred, the profane and the unspeakable and an invitation to witness the human condition at its most carnal and exposed. In a time when images of violence and extremity have become daily entertainment in the UK, Franko B uses his bleeding body as an affirmation of life and beauty.
Live Art offers a space in which artists can take formal and conceptual risks, create a context to look at different mediums of expression, explore ideas of process and presence, and investigate relationships with an audience.
For many artists Live Art is a generative force: to destroy pretence, to create sensory immersion, to shock, to break apart traditions of representation, to open different kinds of engagement with meaning.
Live Art practices have constructed new strategies for the expression of identities beyond the old distinctions of ethnicity, gender and sexuality. For artists negotiating the representation of identity and diversity, Live Art has offered new languages to rewrite dominant cultural narratives and sites to embody the lived realities of cultural difference. Artists such as motiroti or Stacy Makishi approach Live Art as a space to break apart genres, identities cultures and politics; a space to embody the complexities of identity and problematise signifiers of difference; and a space for audiences to contemplate their own relationship with ‘the Other’.
Artists like Matt Fraser, whose practice is informed by his disability as a result of the pregnancy drug Thalidomide, often confront their physical difference in performance to challenge society’s perceptions, expectations and readings of the body. The woman/mother/artist Bobby Baker employs the performance of the everyday domestic tasks like cooking and shopping, to reveal the hidden depths beneath the seemingly mundane and prosaic and make art that speaks of real lives and lived experiences that are all too often negated and neglected.
For many women, gay, culturally diverse and disabled artists whose lives and experiences have been marginalised within the dominant culture in the UK, Live Art has proved to be a potent site, where the disenfranchised and disembodied become visible, where the politics of difference are contested, where complexity is confronted and different ways of being in the world are illuminated.
Live Art breaks the rules about who is making art, how they are making it and who they are making it for.
Live Art – a question of audiences
At a time when we’re dwarfed by corporations, celebrities and politicians, its no surprise there’s an increasing appetite for intimate, interactive experiences. Kate Stratton, Time Out Magazine
By crossing forms and sites Live Art practices have proved to be especially equipped to meet the complexity and sophistication of contemporary audiences’ values, identities and expectations.
Live Art questions assumptions and defies expectations about who an audience can be, what they might be interested in, and the means by which they can be addressed.
Live Art has not one audience, but many. Some may experience Live Art as an action in a gallery, others as a performance in a theatre, an occurrence in some unusual location, an event in a club or a process in which they are involved. There are others who may not be aware that this is Art with a capital A or that they are an audience in any conventional sense of the word. Live Art practices are concerned with all kinds of interventions in the public realm and all kinds of encounters with an audience.
The audience for Blast Theory’s new media work Can You See Me Now? included many young online gamers who were engaging with a work of art as they knew how and not by visiting art galleries or sitting in theatres.
The economies of Live Art span an extremities of scales: from the intimacy of a one to one artist-audience encounter in works such as Oreet Ashery’s Say Cheese in which you are invited to share some time in a bedroom with Oreet as her Hassidic male alter ego Marcus Fisher, to the spectacle of large scale performance events like Station House Opera’s The Bastille Dances in which over the course of several hours a small army of performers construct and deconstruct civic monuments using thousands of breeze blocks.
There is no subject too great or small, or question too awkward for Live Art to address. From the limits of the material body in performances by Franko B to the minutiae of women’s daily lives in the work of Bobby Baker Live Art is a context in which all manner of ideas about the world around us are not only imagined but embodied and activated.
Live Art can provoke, entertain, disturb, seduce, enrage, challenge, unsettle, confront, confuse, repulse, or enrich its audiences, sometimes all at the same time. For some Live Art might be a place to reflect on their own attitudes, fears and desires. For others it might be a process in which their own lives are made visible, often for the first time.
Live Art offers audiences raw, intimate and immersive experiences, often disrupting distinctions between spectator and participant. Live Art asks us what it means to be here, now. In the simultaneity and interactivity of a media saturated society, Live Art invests in ideas of immediacy and reality: creating spaces to explore the experience of things, the ambiguities of meaning and the responsibilities of individual agency.
Live Art is alert to its audiences and to the conditions of the contemporary. In response Live Art practices and approaches are keenly pursued by those who embrace risk, difference and doubt and want their art to be provocative not decorative, immediate not mediated and questioning rather than authoritative.
Live Art – a question of policy
One of the roles of art is to break down borders between different forms, styles and modes of expression. Peter Hewitt, Arts Council England.
Live Art cannot be placed within any singular history, be seen through a disciplinary lens, or be held in any cultural boundary or place. As such Live Art presents a challenge to questions of cultural policy and provision. But it is a challenge that is essential for a healthy culture, and a vibrant cultural policy, to address.
Live Art erodes artform borders and disrupts cultural models. An erratic and ungainly body that is impossible to define and difficult to accommodate, Live Art is, in many ways, an unruly anomaly that does not fit within received cultural structures and strictures.
But Live Art is synonymous with questions of innovation, of risk and of ‘boundary breaking’: in charting the territories where new ideas are forged and new ways of being in the world are imagined.
Live Art keeps us alert to our expectations and responsibilities to questions of form, of place, of audience and of cultural value.
Live Art is on the frontline of enquiries into what culture is and where it is located, who artists can be and how they are nurtured, what an audience can be and how they can be addressed. The question of how cultural policies locate and invest in the itinerant and volatile practices signified by Live Art has never been more vital.
Live Art – a question of internationalismThrough our programme of live events, we are trying to challenge residual negative perceptions of the UK as staid and retro….audiences are hungry for and open to innovative cultural product. Grainne Brunsdon, British Council, Australia
The concept and practice of Live Art in the UK seems to be attracting increasing interest from artists, scholars, promoters and audiences around the world.
The concept of Live Art is being looked at as a possible model for many international artists and organisers as an approach to the framing, support and promotion of experimental ‘live’ practices that operate across, in between and at the edges of more traditional artistic structures. Debates such as these around the idea of Live Art as a cultural strategy and critical discourse are taking place not only here in Brazil but everywhere from Beijing to Siberia and Sydney.
Practices that respond to a diversity of cultural contexts, sites and audiences, that want to break apart traditions of representation, and that employ a diversity of vocabularies, all contribute to Live Art’s ability to traverse and transcend cultural and geo-political borders.
Live Art often breaks received models of cultural exchange. Live Art represents not given, but process based practices that are often grounded in the specificity of their place and space: practices that blur distinctions between spectator and participant, generate interaction and stimulate dialogue. In the process Live Art practices can break down all kinds of borders and enrich our understandings of each other. In recent years Live Art’s international exchanges have ranged from Robert Pacitti’s collaborations with artists in Brazil and in the Australian Outback, to projects such as Jyll Bradley’s Fragrant made with the residents of Bogota.
Live Art is a vibrant approach to the development of international dialogues and, in many ways, to the the kinds of inter-cultural awareness and understanding we need in the 21st century.
Live Art – a question of presentation
Traditional buildings that present the arts will have to adapt to demands both from artists and audiences to rewrite their spaces. Robert Hewison, Towards 2010: New Times, New Challenges For The Arts.
The diverse, itinerant and volatile nature of Live Art practices and approaches raises a number of issues in relation to questions of presentation.
Live Art occupies not one site or circumstance but many: from the institutional to artist led interventions; from actions in galleries and performances in theatres, to artists working outside of the constraints of official culture, within civic or social spheres, in challenging and unexpected sites, or at the points where live and mediated cultures converge.
The new media based practices of artists such as Blast Theory and the location-specific work of Curious International, and the political activism of Mad For Real all expand the formal and cultural frameworks art is understood to occupy and pose exciting challenges as to how such practices are framed and promoted.
Many Live Art practices and approaches set out to problematise issues of presentation and representation in their form or siting; often disrupting convention, resisting institutionalisation or inviting institutions to consider how to negotiate the circumstances of a 24 hour theatre piece, a gallery based performance, a location specific event, a one on one encounter, or a work that only exists in media streams.
Live Art suggests ways that artists and presenters alike can explore new approaches to the representation of art and ideas and new ways of engaging audiences.
The spectrum of Live Art artists and approaches, and the changing expectations and experiences of artists throughout the development of their practice, asks for a infrastructure that can offer different levels of investment in the concept and practice of Live Art and different degrees of engagement with risk: from Live Art programmers, networks and agencies specialising in the development of artistic support structures, to a wider, complex web of presenters for whom Live Art contributes to a broader gallery, theatre, festival or community programme.
At one end of the spectrum Live Art has energised, and opened up new possibilities within, some of the UK’s major institutions through initiatives such as the Live Art Development Agency’s Live Culture event at Tate Modern in 2003 (all video clips from Live Culture programme). At the other the experimental and experiential nature of Live Art needs safe contexts where new artists and new ideas can be incubated and where notions of risk are paramount.
The Live Art Development Agency was set up as a safe space to respond to the different needs of artists and contribute to the development of specialised and safe contexts for Live Art. The Live Art Development Agency is the leading development organisation for Live Art in the UK. The Agency works in partnership with practitioners, organisations and institutions on curatorial initiatives; develops strategies for increasing popular and critical awareness; provides practical information and advice; and offers opportunities for dialogue, debate, research and training.
*Lois Keidan is the director of the Live art Development Agency, in London. This text is the basis for the lecture she gave in Rio and São Paulo in the last edition of Panorama RioArte de Dança.
For more information on the work of the Live Art Development Agency visit the agency website .