O Projeto UMA que eu vi!|The UMA Project I saw!

Final de tarde em Manaus. Após um período de imersão nos arquivos públicos da cidade, em busca de obras raras que me permitissem escrever sobre a cultura e a arte local pertinentes ao século passado, resolvi assistir um espetáculo de dança no Teatro Amazonas. Tratava-se do Projeto de Pesquisa Cênica Corporal UMA, que em 2007 havia recebido o prêmio Klauss Vianna, da Funarte. Era a décima segunda apresentação, sob a coordenação geral e direção artística de Francisco Rider, com a participação de Agnaldo Martins e Damares D’Arc. A proposta conceitual, declarada textualmente no material distribuído ao público, implicava no desenvolvimento de um trabalho no qual, a cada apresentação, fossem modificadas a estrutura da composição cênica, a organização sonora, as projeções de imagens e, as ações executadas pelos intérpretes. Portanto, a cada realização, configurações outras surgiriam, em tese, diferenciando-se das anteriores, mediante um roteiro semi aberto em que a estrada se fazia no próprio caminho percorrido. Propostas cênicas coerentes com a trajetória profissional de Rider, em seus vinte e seis anos de atuação artística, estabelecendo conexões entre Manaus, São Paulo e Nova Iorque, buscando dialogar com as linguagens das artes visuais, teatro, performance e  improvisação.

O cruzamento entre o histórico do diretor e suas atuais proposições levaram-me então, antes mesmo de entrar no Teatro Amazonas, ao seguinte questionamento: como um artista independente, com experiências vividas no caldo da cultura novaiorquina da dança pós-moderna, de ruptura com os espaços hierarquizados e formas consolidadas de composição cênica, se relacionaria com um dos locais simbolicamente mais tradicionais da capital amazonense? Lugar dos grandes poderes políticos e econômicos. Como ele desenvolveria um trabalho mediante a força de um monumento inaugurado em 1896 e com orientação coetânea para mega festivais e difusão de estéticas hegemônicas? Como o público o receberia?

Uma das possíveis respostas: o palco foi transformado em um espaço de maior proximidade com o espectador, que se tornara público partícipe e, em alguns momentos, poderia se solidarizar com os intérpretes (auxiliando-os a carregar pessoas e blocos de concreto), e em outros, se desconfortar com instruções carregadas de ambigüidades, tendo que se justificar e defender mediante uma tarefa não realizada (Você soltou! Por quê?). Configuração de uma cena que se contextualiza também a partir de frases, aparentemente soltas, mas que apresentavam pequenas ironias e sarcasmos referentes aos templos e modelos de beleza da sociedade atual. Outra das possíveis respostas: Os intérpretes assumiram os papéis de propositores, instigando algumas reflexões com suas formas pouco convencionais que, embora já tenham sido elaboradas em outras culturas e outros trajetos históricos, por aqui ainda caminham lado a lado com um virtuosismo acostumado, e uma linguagem mimética cujas obviedades probabilísticas empobrecem a cena. É fato que, no projeto UMA daquele entardecer, não havia corpos ideais sonhando com uma técnica que funcionasse como base para tudo, e nem poderia, porque a experiência e os exercícios corporais, os quais se fundamentavam em diversas abordagens somáticas, levavam a imprevisibilidades desconfortantes para os não acostumados, embora anunciasse os prazeres lúdicos do delicioso risco da participação.

Em cena, macarrões plásticos de cadeiras de balanço, blocos de concreto encontrados no lixo, cabos de vassoura, fitas adesivas e napas em formatos geométricos que serviam para sinalizar os caminhos a serem percorridos. Imagens projetadas sobre o tempo, o aleatório e movimentos em espiral. Tudo coerente com o mote do projeto ao se colocar como uma apresentação de acontecimentos, sujeitos ao sucesso e/ou ao fracasso, no processo, no risco, na experimentação e na fragilidade de sua presentificação, cheias de sentido para alguns, completamente desconexas para outros. Bem assim, como é a vida. Teria somente uma pequena ressalva direcionada à relação dos intérpretes com estes objetos cênicos. Apenas um ponto com o intuito de promover a reflexão crítica sobre o trabalho em desenvolvimento e suas metodologias: a organicidade desejada parece ocorrer enfraquecida em diversos momentos, bem como acaba por demandar intensidade no estabelecimento do diálogo com as formas, texturas, cheiros, pesos e medidas.

Certamente, o caminho não é novo para quem conhece um pouco de história da dança e as propostas existenciais e políticas surgidas na década de 1960, mas é indicativo de outros ares para a floresta cênica de nossa selva urbana. Aliás, o próprio grupo se encarrega de avisar que não são os primeiros nem os últimos a usar estas táticas e ratificam, com veemência e coragem, suas opções estéticas e políticas, impregnadas de soluções pouco confortáveis. Vale ressaltar: o projeto UMA que eu ví, embora tenha causado certo estranhamento, principalmente a um público acostumado às fruições contemplativas e lineares, presta um bom serviço ao entendimento de arte como elemento instigador de novas percepções de espaço, tempo e, corporalidades distintas.

Então… Início da madrugada. Reflito sobre o que ficou da experiência vivida. E um dos comentários que o travesseiro, como um bom amigo que é, sussurra aos meus ouvidos, chama a atenção para o fato de que na dança, atualmente em Manaus, é possível encontrar não apenas bio ou sócio diversidades, tão propaladas na mídia nacional e internacional. Há também a possibilidade de se verificar algo que implique em  cenodiversidade, oxigênio para a cultura e condição sine qua non para colocá-la em movimento. Resta torcer para que o projeto continue a obter recursos e, contrariando as reflexões de Benedito Nunes, para quem a desagregação não é por aqui um acidente, mas quase um imperativo, possa ter vida longa em suas práticas cênicas. Por fim, adormeço, mas não sem antes externar minhas saudações amazônicas a todos os artistas de boa vontade, e sua permanente teimosia em quebrar estes imperativos.

Early evening in Manaus. After a period immersed in the city’s public archives, searching for rare pieces that would allow me to write about last century’s local art and culture, I decided to watch a dance show in Amazonas Theater. It was the <em>Projeto de Pesquisa Cênica Corporal UMA</em> (Scenic Corporal Research Project UMA), which received Funarte’s Klauss Vianna Award in 2007. It was the twelfth performance, under the general coordination of Francisco Rider, with the participation of Agnaldo Martins and Damares D’Arc. The conceptual proposal, stated textually in the material handed out to the audience, implicated the development of a work in which the structure of the scenic composition, the sound organization, the projected images and the actions performed would be modified at each presentation. Therefore, at each presentation, other configurations would emerge, different from the previous ones. The scenic proposal is coherent to Rider’s professional course, during the 26 years of his artistic career, establishing connections between Manaus, São Paulo and New York, seeking to dialogue with the languages of visual arts, performance and improvisation.

The cross between the director’s history and his current proposition lead me to the following questioning, even before entering the Amazonas theater: how does an independent artist, with experiences in the New York’s post-modern dance melting-pot, of rupture with hierarchized spaces and established forms of scenic composition relate to one of the most symbolically traditional spaces of the capital of Amazonas? The place of big political and economic power. How would he develop a piece under the power of a monument inaugurated in 1896 with coetaneous orientation towards huge festivals and broadcast of hegemonic aesthetics? How would the audience receive it?

One of the possible answers: the stage was turned into a space of more proximity with the spectator, who becomes participating audience and, at certain moments could be sympathetic to the performers (aiding them in carrying people and concrete blocks), and at others, they could become uncomfortable with instructions filled with ambiguity, having to justify and defend themselves for a task that was not carried out. (You let it go! Why?). Configuration of a scene that is contextualized also by phrases, seemingly disconnected, but that showed some irony and sarcasm towards temples and standards of beauty in contemporary society. Another possible answer: the performers assumed the role of provocateurs, instigating some reflections with their unconventional forms that, although they were already elaborated in other cultures and other historical paths, here, they walk side by side with a customary virtuosity and a mimetic language weakened by probabilistic obviousness. In that afternoon’s UMA project, in fact there were no ideal bodies dreaming of a technique that would be the basis for everything else, and there could not be any, because the experience and the body exercises, which were grounded in many somatic approaches, brought uncomfortable unpredictability to those who are not used to it, although it announced the playful pleasure of the delicious risk of participating.

On stage, plastic strips, concrete blocks found in the garbage, broomsticks, adhesive tape and pieces of leather in geometrical shapes that signaled the paths that were to be taken. Projected images about time, randomness and spiral movements. Everything is pertinent to the project’s theme, being placed as a presentation of happenings, subject to success and/or failure, of the process, of risk, of experimentation and of the frailty of its presentness, filled with meaning for some, completely incoherent for others. Just as life is. I would have only one small reservation about the relationship between the performer and the objects on stage. Just an observation, aiming to promote the critical reflection about the work in progress and its methodology: the desired organicity seems to be weakened in many moments, as well as it ends up demanding intensity in the establishment of dialogue with the shapes, textures, smells, weights and measures.

Certainly, the path is not new for those who know a little about the history of dance and the existential and political proposals that surfaced in the 1960’s, but it indicates new airs for the scenic forest of our urban jungle. By the way, the group takes upon itself to inform they are not the first and will not be the last to use these strategies and they vehemently and bravely ratify their aesthetic and political options, impregnated with uncomfortable solutions. It is important to point out: although the UMA project I saw provokes some strangeness, specially to an audience used to contemplative and linear fruiton, it also does a good service to the understanding of art as a instigating element of new perceptions of distinct space, time and corporality.

So … Late at night. I reflect upon what was left from the experience. And one of the comments my pillow whispers in my ears, as the good friend it is, draws attention to the fact that currently in Manaus, it is possible to find in dance not only bio and social diversity, so often broadcasted by the national and international media. There is also a possibility to verify something that implicates scenic diversity, oxygen for culture and condicio sine qua non for setting it in motion. Let us hope the project continues to obtain support and have a long life in their scenic practices, counteracting the reflections of Benedito Nunes, for whom disaggregation around here is not an accident, but rather an imperative almost. At last I fall asleep, not without externalizing my Amazonian salute to all good willed artists and their permanent stubbornness in breaking those imperatives.