Risco e riquezadas misturas | Risk and richness in the mixtures

Confirmando-se como um dos mais importantes eventos do calendário da dança carioca, os Solos de Dança no Sesc, em sua quinta edição no último mês de março, deu continuidade em sua proposta de instigar novos olhares a partir de novas misturas. Com curadoria assinada por Beatriz Radunsky e consultoria do coreógrafo João Saldanha, a mostra colocou, em duas semanas e no mesmo palco, qualidades muito distintas de dança, que, juntas, refletem tanto a rica pluralidade de pesquisas em dança contemporânea na cidade, como também a generosa possibilidade de convívio dessas linguagens num mesmo ambiente. Resultado: os Solos de Dança no Sesc traça um diagrama de potencialidades que se efetivam entre nossos artistas.

Como curadoria traduz um modo de olhar o objeto artístico, interferindo inclusive a partir da seqüência em que os trabalhos são apresentados, um dos momentos mais especiais da noite é justamente a passagem entre os dois primeiros solos, que provoca um estranhamento mais que legítimo no público. Abrindo a primeira noite, a experiente bailarina Denise Stutz apresenta seu DeCor, lugar que ela inaugura em sua carreira para deixar aflorar sua memória de dança abrigada em seu corpo. A sabedoria e a maturidade com que essa questão é ali tratada deixa vazar a qualidade de uma história que se tece em movimentos, que se imprime na carne, contando suas experiências com coreógrafos diversos, mostrando um corpo que é um corpo de bailarina, no sentido mais puro desta palavra. Denise deixa o palco e o público arrebatados por sua história, por sua identidade construída de modo tão íntegro em sua dança.

Em seguida, o solo O dia em que ela vai me ver dançar, da jovem Milene Pimentel, impacta à primeira vista justamente pelo que lá ainda é fresco, frágil, de alguém que ainda começa tenuamente a construir sua história em dança. O contraste evidente entre as duas bailarinas, entre os dois trabalhos, exige do público que afie seu olhar para o que é contado ali, confirmado que a ordem dos fatores, nesse caso, altera sempre o produto. Milene faz sua dança do seu tamanho, sem a ansiedade característica de jovens coreógrafos, mostrando que o que ela aprendeu em seu curso universitário de dança pode ser transformado em investigação própria de movimento. Duas trajetórias, Denise e Milene são dois vetores que nos fazem lembrar que história não se conta de forma linear, da esquerda para a direita. Principalmente quando a linguagem escolhida para contá-la é a dança.

O terceiro solo da priemeira noite marca um encontro inédito entre o bailarino Marcellus Ferreira e o coreógrafo Paulo Caldas. A elegância com que tudo se constrói, já a partir do título do trabalho, Basse danse, uma referência a um modo de se fazer dança antes que ela se tornasse cênica no ocidente, carece ainda de ajustes típicos de quando encontros como esses são promovidos. Dono de uma pesquisa de movimento bastante apurada, que vem sendo burilada há muito tempo, Paulo parece não investir nas novas possibilidades que a excelência da dança de Marcellus sugere. O resultado que se vê é muito mais um esforço do bailarino em se aproximar do coreógrafo e não um jogo entre vice-versas que poderia ser instigante.

Por fim, no último solo da noite, Marcelo Braga e Paula Nestorov transformam o público num voyeur que perscruta a fina relação entre artistas amigos ou, antes, entre amigos artistas. Jacaré, Peixe e Cachorro é uma fresta que se abre para que se observe o que se tece, em seu próprio exercício de tecer. A belíssima voz de Paula, que canta ao vivo uma trilha composta especialmente por Antonio Saraiva, se refaz na movimentação de Marcelo. O convívio e a cumplicidade que se desvelam no palco são transformados em dança e em música e no que há de mais belo entre essas duas artes. É nos atritos entre misturas que o Solos de Dança no Sesc promove reflexão.

A segunda e última semana dos Solos de Dança no Sesc deixou aparente tanto as riquezas quanto as fragilidades quase inevitáveis em um projeto como esse. O que resulta cenicamente das relações ali inauguradas deve ser antes observado como um ponto pinçado de um processo, e deve, portanto, ser lido como tal. Nesse exercício, cabe a generosidade do olhar em busca de novas tramas, pelo frescor que a própria (nova) relação inspira.

O primeiro trabalho da noite clama por essa leitura de modo flagrante. Priscilla Teixeira convidou a atriz Mariana Lima para assinar a “direção” e a “concepção” de Mare Lunae, e não sua “coreografia”. Os termos indicam, nesse caso, que a dramaturgia assinada por Mariana trafega rente a estruturas teatrais, deixando que a dança, em pura potencialidade no corpo da excelente bailarina, permaneça em segundo plano. Assim, a narrativa buscada ali, com o auxílio de elementos cênicos, parece esquecer das especificidades da narrativa própria do corpo que dança. A equação desses dois modos de construção cênica está por ser feita e é isso que salta aos olhos.

Já em Oculto, essa relação entre “direção dramatúrgica”, assinada por Gilberto Gawronsky, e “direção coreográfica”, assinada por Alex Neoral, para o bailarino Roberto de Oliveira, parece estar melhor acomodada, embora sofra pelo excesso de referências. A idéia submerge em texto, luz, figurino, deixando pouco espaço para a interessante construção coreográfica que apenas se esboça. A rica disponibilidade do corpo do bailarino poderia ter sido melhor explorada, podendo ter sido transformada na própria cena, no lugar de diálogo entre o coreógrafo e o dramaturgo.

O terceiro trabalho da segunda noite se oferece como bom exemplo de como esses novos encontros entre bailarino e coreógrafo podem ser extremamente frágeis. Em Dobra, ao voltar-se para a própria tessitura coreográfica, Thiago Granato não consegue imprimir na cena ou no corpo da bailarina Laura Sämy uma coesão necessária para se ler o texto que ali se delineia. O processo de metalinguagem, ao ser tratado como tema em dança, traz consigo armadilhas que talvez apenas a maturidade na lida coreográfica possa desarmar, desafio que o jovem Thiago ainda tem pela frente.

Por fim, um reencontro entre os experientes Carolina Wiehoff e Renato Vieira parece trafegar justamente na mão contrária do trabalho anterior. Em Mulher sozinha no palco pode-se observar como estruturas coreográficas são familiares à bailarina e ao coreógrafo, como se os dois falassem um dialeto que é trazido à tona depois de algum tempo sem ser praticado. Mas esse conforto, próprio do que já é conhecido não incita, infelizmente, um avanço na investigação coreográfica. Mesmo com o terreno já preparado e bastante fértil, o que nasce são frases feitas na movimentação, na música e sobretudo na iluminação e no figurino. Nessa conversa que se retoma, Renato e Carolina, com a sabedoria dos dois, poderiam ter se lançado a criar neologismos.

Os Solos de Dança no Sesc funcionam como provocações: nos atritos de novas relações, desviam os olhos do público dos automatismos, redirecionando-os para estruturas não conhecidas. E essa parece mesmo ser a função primordial de uma mostra como essa.

* Esta crítica foi publicada em duas partes no Jornal do Brasil
Translation by Sarah Hyde, Ccaps Translation and Localization.

Confirmed as one of the most important events on the Rio de Janeiro dance calendar, the Solos de Dança no Sesc, in its fifth edition last march, fuels the proposal of instigating new visions through new mixtures. With a curatory signed by Beatriz Radunsky and the João Saldanha choreography consultancy, the event got together, in two weeks at the same stage, very different talents that together reflect the rich plurality of research on contemporary dance in the city as well as the generous possibility of these languages existing in a single environment. The result: the Solos de Dança do Sesc outlines a diagram for the potential collaboration between local artists.

Since curatorship translates a way of viewing the artistic object, interfering even in relation to the sequence of the performance, one of the most special moments of the night has been precisely the passage between the two first solo performances, that provoked in the public a more than legitimate sense of wonder. Opening the night, the experienced dancer Denise Stutz presents her DeCor (“By heart”), the place she inaugurates in her career to let emerge the memory of dance sheltered in her body. The wisdom and maturity used to deal with this issue permits the leaking of an entire history that is weaved by movements, that is imprinted on the flesh as she describes her experiences with diverse choreographies, showing a body that is the body of a dancer in the purest sense of the word. Stutz leaves the stage with the public enraptured by her story and by her identity, one that is constructed in such a complete way through her dance.

Afterward, the solo O dia em que ela vai me ver dançar (“The day she will see me dance”), performed by the young Milene Pimentel, leaves an immediate impact precisely because it is still fresh, fragile, created by someone who is still tenuously constructing her history in dance. The evident contrast between the two dancers, between the two works, demands that the public sharpen their eye to what is being expressed there, confirming that the order of the factors, in this case, always alters the product. Pimentel makes her dance her own size, without the apprehension characteristic of young choreographers. She demonstrates that what she learned in her university dance course can be transformed into her own investigation of movement. Along entirely different courses, Denise and Milene are two vectors that make us remember that history is not counted in a linear fashion from left to right. Principally when the language chosen to tell this story is dance.

The third solo of the night marks an unprecedented partnership between dancer Marcellus Ferreira and choreographer Paulo Caldas. Despite the elegance that they create, beginning with the title of the performance, Basse danse, a reference to a style of performing dance before it became scenic in the East, the solo still requires certain adjustments typical of encounters like these. The leader of an already substantial body of research on movement and that has been perfected over a long period of time, Caldas does not appear to invest in the new possibilities suggested by Ferreira’s rare talent. The result that one sees is much more an effort of the dancer to work closely with the choreographer and not play between the vice-versa that could be provocative.

Finally, during the last solo of the first night, Marcelo Braga and Paula Nestorov transform the public into a voyeur that scrutinizes the refined relationship between artists friends, or previously, between friend artists. Jacaré, peixe e cachorro (“Alligator, Fish and Dog”) is a gap that opens to allow others to observe what it is happening on stage. The beautiful voice of Nestorov, who during the performance sings the soundtrack that Antonio Saraiva composed especially for the piece, is reflected in Braga’s movements. The conviviality and complicity that are unveiled on stage are transformed into dance and music and all that which is most beautiful about these two arts. It is in the clash between mixtures that Solos de Dança do Sesc promotes reflection.

Examining the second and final week of the Solos de Dança do Sesc , it becomes clear that by promoting unprecedented encounters between choreographers and dancers, the richness as well as the fragilities that are almost inevitable in a project like this will surface. The scenic result of the inaugurated relationships should be observed as a snapshot taken from a process and it should, therefore, be read as such. In this exercise, the generosity of going in search of new ideas fits due to the vigor that the very (new) relationship inspires.

The first performance of the night cries out for such a reading in a flagrant way. Priscilla Teixeira invited actress Mariana Lima to lead the “direction” and the “conception” of Mare Lunae, rather than its “choreography”. The terms indicate, in this case, that the drama created by Mariana closely resembles theatrical structures, leaving dance, in its pure potential in the body of an excellent dancer, in second place. In this way, the narrative sought there, with the help of scenic elements, appears to forget the specificities of the very narration of the body that dances. The equation of these two modes of scenic construction will be made and this is what strikes the eyes.

In Oculto, on the other hand, this relationship between the “dramatic direction” of Gilberto Gawronsky and the “choreographic direction” Alex Neoral created for dancer Roberto de Oliveira, appears to be accommodated, although it suffers from an excess of references. The idea is submerged in the text, light, costumes, leaving little space for the interesting choreographic construction that appears faintly. The rich availability of the dancer’s body could have been more thoroughly explored, and even transformed in the very scene, in place of the dialogue between the choreographer and the dramaturg.

The third performance of the night offers a good example of how these new encounters between dancer and choreographer can be extremely fragile. In Dobra (“Fold”), a return to the very choreographic substance, Thiago Granato is not able to transmit in the scene or through the body of dancer Laura Sämy the necessary cohesion to the text behind the dance. The metaliguistic process, upon being treated as a dance theme, brings with it traps that perhaps only a mature choreography could disarm, a challenge that still awaits the young Granato.

Finally, a reunion between the experienced artists Carolina Wiehoff and Renato Vieira appears to travel against the grain of previous work. In Mulher sozinha no palco (“Woman alone on the stage”), one can observe how choreographic structures are familiar to the dancer and to the choreographer, and how the two share a dialect that is brought to the surface after being hidden for some time. Unfortunately, this comfort, which is the result of previous experience, does not incite an advance in choreographic investigation. Even with the ground already prepared and very fertile, what sprouts are phrases made in movement, in music and especially in the lighting and the costume. In the conversation that resumes, Vieira and Wiehoff, with the wisdom that they both possess, could have created even neologisms.

The Solos de Dança do Sesc work like provocation: in the friction of new relationships, they divert audience from automatism, re-directing it towards unknown structures. And this truly appears to be a primordial function of a project such as this one.

*This critic was published in two parts in Jornal do Brasil