Um Díptico de Maria Hassabi | Solo and SoloShow: a Diptych by Maria Hassabi

Solo

Com estreia no pequeno teatro do primeiro andar do P.S.122 em Nova York, Solo foi o primeiro trabalho de um díptico dirigido e coreografado por Maria Hassabi. A performance integrou o festival Crossing the Line – FIAF Fall Festival 2009, apresentado pelo French Institute Alliance Française.

O díptico revela a continuidade na investigação do trabalho Gloria, de 2007, no qual fisicalidade extrema, imaginário feminino e cultura popular são influências presentes. Em Solo, performado por Maria Hassabi e Hristoula Harakas em noites alternadas, o corpo feminino permanece sendo um aspecto central na concepção coreográfica.

Na noite em que assisti ao trabalho, a coreógrafa era a solista. Quando o público entrou no teatro, Hassabi estava deitada no chão, coberta por uma das extremidades de um tapete persa, colocado ao centro do espaço da performance. A calça e regata utilizadas pela performer eram de cor bege e foram assinadas pelo coletivo ThreeAsFour. A parede de fundo e o chão do espaço apresentavam um bege similar, criando simultaneamente um espaço particular e um lugar não referencial para a coreografia a ser desenvolvida. O design de luz de Joe Levasseur cobria o espaço uniformemente.

A variedade de cores dos tecidos que cobriam cada cadeira da plateia oferecia uma informação confusa. Visto por detrás e entre as cadeiras, o visual quase tropicalista parecia uma escolha descontínua e incoerente em relação à austeridade da composição do design de cena, o qual se fundamentava no tapete persa e no vazio do espaço. No entanto, ao observar as fotografias para este artigo, foi uma grande surpresa perceber que as cores de cada cadeira se relacionavam com as cores do desenho no tapete persa, formando como que uma imagem ampliada de pixels expostos do tapete tradicional. É difícil saber quão frequentemente esta informação pôde ser lida pela plateia. Ainda assim, Hassabi compartilhou um lugar de visualidade comum entre performer e espectadores.

Coreograficamente, Hassabi recodificou o potencial simbólico do tapete persa ao criar movimentos que eram constantemente suspensos em imagens fixas. Ao moldar a forma do tapete em relação ao seu próprio corpo, toda imagem performada compreendia mutabilidade e um desafio físico, intercalando suspensão de movimento e vivacidade em composições e tempo minimalistas.

De acordo com Hassabi, seu díptico é um trabalho sobre o corpo feminino e seu imaginário na cultura popular. Contudo, a relação visual entre a performer e o tapete abriu espaço para pensarmos sobre um espectro mais amplo do imaginário humano. Solo nos permitiu perceber como a forma revela o significado e como nosso background informa o significado que lemos na forma.  Certamente não há nada de novo nesta informação já que a interpretação de um significado e a subjetividade do indivíduo estão intrinsecamente relacionadas. Ainda assim, é bastante satisfatório quando um trabalho de dança nos leva a um território no qual podemos criar, questionar e romper com nossas cognições visuais, abrindo possibilidades para reavaliá-las. Nas imagens evocadas pela performance, eu pude ver reminiscências de Joseph Beuys (I Like America and America Likes Me, 1974), símbolos de poder e monarquia, a relação entre uma mulher e um símbolo fálico, anúncios de alta costura e poder feminino. No entanto, as conexões que apareceram em minha mente com tanta clareza e autoridade provavelmente não são as mesmas que outros espectadores leram com igual valor. O tapete era o código manipulado, no qual a performer operava uma constante transformação. Cada imagem fixada era clara e imperiosa até sua dissolução em uma nova forma.

A dramaturgia assinada por Scott Lyall e Marcos Rosales criou uma narrativa de dissolução que evoluía da simplicidade para a grandiosidade: a performer começava utilizando o tapete como cobertor e no decorrer do trabalho conferia a este, qualidades espaciais através do volume, as quais se revelavam através do enrolar, dobrar e envolver-se dentro do mesmo.

O design de som de James Lo e o design de luz de Joe Levasseur/Hassabi eram na maior parte do tempo constantes, permitindo todo o foco na partitura de movimento.

SoloShow, a segunda parte do díptico

A segunda parte do díptico de Hassabi foi comissionada pela bienal Performa 09 http://performa-arts.org/, e apresentada aproximadamente um mês após a estreia de Solo, em Nova York. SoloShow foi apresentado no teatro do segundo andar do P.S. 122 e também performado alternadamente pelas duas performers em diferentes noites. Desta vez, assisti a SoloShow interpretado por Hristoula Harakas.

Para SoloShow Hassabi realizou uma pesquisa de aproximadamente 300 imagens de representações da mulher na história da arte, incluindo pinturas, esculturas, fotografias e stills. A partitura coreográfica resultou desta análise de como o corpo feminino tem sido retratado através dos séculos. Baseada nestas imagens, uma extensa sequência de movimentos foi performada com leves variações de dinâmica.

Como no efeito-espelho criado com as cores das cadeiras da plateia e o padrão do tapete persa em Solo, o segundo trabalho criou uma continuidade espelhada da primeira parte do díptico. A estrutura coreográfica era muito similar nos dois solos. A estaticidade das poses, a fisicalidade extrema e como os movimentos eram mostrados criavam uma clara coerência no padrão exposto, mas desta vez as poses eram mais lânguidas e o esforço menos dramático do que em Solo. Como em Solo, SoloShow começava a ser performado antes da entrada da plateia e o figurino permanecia o mesmo. Contudo, a sensação resultante da primeira parte do trabalho era como a de espiar a intimidade acontecendo naquele espaço específico, enquanto SoloShow apresentava uma estética mais espetacular, ainda que minimalista.

O cenário de Scott Lyall e Hassabi – o qual era composto de um tablado negro –, continuamente nos lembrava da arquitetura do teatro. O peso, estrutura e dimensionalidade do tablado criavam uma relação completamente diferente com a performer, contrastando com as alternâncias entre estrutura plana e volumes maleáveis do tapete oriental utilizado em Solo.

O design de luz assinado em colaboração entre Joe Levasseur e a coreógrafa foi sedutoramente imaginado: os refletores foram cuidadosamente organizados no teto do espaço na forma de um corredor que cruzava o palco na direção plateia-parede de fundo. A microconstelação de refletores elipsoidais formavam um design refinado e harmônico com o cenário.

O figurino bege que em Solo se assemelhava a cor do chão e da parede de fundo esmaecendo os limites entre o corpo da performer e o espaço, criava em SoloShow um forte contraste com a cor negra do tablado e das paredes do teatro.

SoloShow foi um trabalho delicado. Sua força residia na precisão de sua coreografia e na austeridade do design de luz e cena.

Nas performances de Hassabi e Harakas, qualidades como precisão, presença e eficiência estavam continuamente em sintonia. Como definido por Hassabi, as duas coreografias são solos autônomos. Apesar de ambos os solos se sustentarem como trabalhos específicos, SoloSoloShow no entanto, pareceu mais independente da primeira parte do díptico. revelou certa incompletude e a necessidade de seu duplo.

Escrevendo sobre performances em Nova York nos últimos anos, comecei a perceber que o potencial de um trabalho tende a ser mais completamente alcançado quando o/a artista opta por especificidade. Independente da forma de arte ou da intersecção de diferentes mídias que estejam em foco, quando um/a artista faz uma escolha muito clara e específica, algo além do ordinário parece se revelar sobre o conteúdo do trabalho.

Na mesma direção em que escolhas simples podem revelar ideias complexas, o trabalho de Maria Hassabi apresenta a densidade de algo que pode se desdobrar somente através da experiência do/a espectador/a – e não do/a coreógrafo/a.

Hassabi não nos oferece uma alternativa para questionar a visão das representações do corpo feminino e através da sua dança, o corpo da performer torna-se, uma vez mais, o objeto repetindo a visão já retratada pela história da arte. Contudo, ao confiar na experiência e repertório do/a espectador/a, Maria Hassabi nos oferece um trabalho no qual não somos intencionalmente entretidos. Ao invés disso, somos convidados a alargar nossa percepção e questionar as imagens-escultura que ela apresenta com grande propriedade, frente aos nossos olhos.

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Solo foi visto em 4 de outubro de 2009, durante o Crossing the Line – FIAF Fall Festival 2009, apresentado pelo French Institute Alliance Française.

SoloShow foi visto no dia 14 de novembro de, 2009,  dentro da programação da PERFORMA 09.

Cristiane Bouger é diretora de teatro, dramaturga, performer e videoartista. Vive e trabalha no Brooklyn, em Nova York.

Solo

Premiered at the intimate theater on the first floor of P.S.122 in New York, Solo was the first work of a diptych directed and choreographed by Maria Hassabi. The performance was part of Crossing the Line – FIAF Fall Festival 2009, presented by the French Institute Alliance Française.

The diptych indicated a clear continuity of the investigation of Hassabi’s earlier work, Gloria, from 2007, in which extreme physicality, female imagery and pop culture were influences at work. In Solo, alternately performed by Maria Hassabi and the dancer Hristoula Harakas, the female body was still central.

In the show I attended, the choreographer was the soloist performer. When the audience entered into the theater Hassabi was laying down on the floor, covered by one of the extremes of a red Persian rug placed on the center of the performance space. The beige pants and top worn by the performer were designed by the collective ThreeAsFour. The background wall and the floor presented a similar beige color, simultaneously creating a particular space and a non-referential place for the choreography to be developed. The lighting design by Joe Levasseur uniformly covered the space.

The different colors of the fabric that covered each chair in the audience were puzzling. Seen from behind and among the seats, the almost Tropicalist visual input looked like a disrupted and incoherent choice in relation to the given austerity of the setting sustained by the Persian carpet and the emptiness of the space. Later, it was a great surprise to realize while looking at the photographs for this article, that the colors of each seat matched the colors on the pattern of the Persian rug, forming a pixel-like exposed image of the traditional carpet. It is hard to figure out how frequently this relation was perceived by the audience. Yet, by this mean, Hassabi established a visual common ground for both performer and spectator.

Choreographically, Hassabi created movements that were transformed into still images re-codifying the symbolic potential of the Persian rug. From reshaping its form in relation to her body, every image presented was mutable and physically challenging, interchanging stillness and liveness in a minimalist tempo.

According to the choreographer, her diptych is a work on the female body and its imagery embedded in culture. However, the visual relation between the dancer and the rug gave us room to think about a larger spectrum of human imagery. Solo allowed us to perceive how form reveals meaning and how our background informs the meaning we read in form. This is certainly nothing new, since meaning interpretation and subjectivity are indelibly related. But it is satisfying when a dance work leads us to a landscape in which we can create, question and disrupt our own visual connections, opening doors to reevaluate them. Evoked in the images of the performance, I could see reminiscences of Joseph Beuys (I Like America and America Likes Me, 1974), symbols of power and monarchy, the relation between a woman and a phallic symbol, high couture advertisements and female power. Indeed, these connections that appeared in my mind with such clarity and authority were probably not the same ones other viewers have read with equal weight. The rug was the manipulated code in which the choreographer operated a constant transformation. Every still image was imperious and clear until its dissolution into a new form.

The dramaturgy signed by Scott Lyall and Marcos Rosales created a fluent narrative of dissolution from simplicity to grandeur: the performer started using the rug as a blanket and as the work developed, she gave the rug spatial qualities using its volume through rolling, folding and enveloping herself in it, achieving different ranges of visual impact.

The sound design by James Lo and the lighting design by Joe Levasseur/Hassabi were most of the time constant, allowing all the focus to the movement score.

SoloShow, the second work of a diptych

The second part of Hassabi’s diptych was commissioned by the biennial Performa 09, and it was presented approximately one month after Solo premiered in New York. SoloShow SoloShow interpreted by Hristoula Harakas. was presented at the theater on the second floor of P.S. 122 and was also alternately performed by both dancers in different evenings. This time I saw

For SoloShow, Hassabi conducted a research of approximately 300 images of female representations in art history, including paintings, sculptures, photographs and film stills. The choreographic score resulted from this examination of how the female body has been pictured over the centuries. Based on these images, an extensive sequence of poses was performed with slight variations in its dynamics.

Like the mirror-effect created with the audience seat colors and the pattern of the Persian rug in Solo, the second work created a mirrored continuity of the first part of the diptych. The choreographic structure was very similar in the kin solos. The stillness of the poses, the extreme physicality involved and how the movements were displayed clearly created coherence in the pattern in display, but this time the poses were more languid and the effort less dramatic than in Solo. As in Solo, SoloShow started to be performed prior to the entrance of the audience and the costumes were the same. However, the feeling of the first part of the work was like peeping at the intimacy of that specific room, while SoloShow presented a more spectacular, and yet minimalist aesthetic.

The set design by Scott Lyall and Hassabi – which consisted of a black platform –, continuously reminded us of the theater architecture. The weight, structure and dimensionality of the set created a completely different relation with the performer, contrasting with the alternations of flatness and changeable volume of the Oriental rug used in Solo.

In the same way, the lighting design co-signed by Joe Levasseur and the choreographer was beautifully imagined: the stage lighting was carefully set up on the ceiling in a corridor strip shape that crossed the stage in the audience-back wall direction. The micro-constellation of ellipsoidal spots composed a fine visual setting with the set design.

The decision for the beige costumes that in Solo matched the floor and background color and blurred the limits of the performer’s body and the space, created here a bright contrast with the black background and platform.

SoloShow was a delicate piece of work. Its strength resided in the precision of its choreography and austere set and lighting design.

In Hassabi’s and Harakas’ performances for the diptych, qualities such as precision, presence and efficiency are continuously in tune. As defined by Hassabi, the two choreographies are two autonomous evening-solos. Even though both works can stand on its own, Solo revealed a certain incompleteness and the need for its double. SoloShow instead, could be independent from the first part of the diptych.

Watching performances in New York in recent years, I started to realize that the potential of a work is more likely to be fully achieved when the artist opts for specificity. No matter the art form or the intersection of arts that is on focus, when an artist makes very clear and specific decisions something more extraordinary about the content of the work is revealed.

In the sense simple choices may reveal complex ideas, the work by Maria Hassabi presents the density of something only the experience of the spectator – and not only of the choreographer – can unfold. She does not offer us any alternative to question this vision of the female body representations and the performer’s body is through her dance, the object reproducing once more this art history. However, by relying upon the experience and repertoire of the spectator, the choreographer offers us a work in which we are not intently entertained. Instead, we are invited to open up our perception and question the sculptural images she displays in front of us.

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Solo was seen on October 4^th, 2009 as part of Crossing the Line – FIAF Fall Festival 2009, presented by the French Institute Alliance Française.

SoloShow was seen on November 14^th, 2009, as part of PERFORMA 09.

To learn more about the artist, please, visit www.mariahassabi.com

Cristiane Bouger is a theater director, playwright, performer and video artist. Lives and works in Brooklyn, New York.